주운항 작가는 자신이 살아가고 있는 이 세계에 대해 근원적 질문을 해 오면서 그것의 원형과 본질을 탐색하는 일련의 작업을 해왔다. 이러한 작업은 그가 오랫동안 지속 해온 회화 작업 과정에서 마주하게 된 형상이라는 지점을 중심으로 시작되었는데, 그가 이렇게 작업에서 사물의 형상을 탐색하고자 하는 것은 그것이 사물의 본질을 알아가는 길이 될 수 있을 것이라는 생각을 하였기 때문인 것 같다. 그러한 의미에서 보면 주운항 작가의 회화에 있어 형상을 그려내는 작업은 사물을 읽어내는 언어와 같은 수단으로 작동 되고 있는 것이라고 볼 수 있다. 그에게 있어 회화는 세계의 본질이 무엇인가를 탐색하는 것이자 그것을 읽어내는 방법에 대한 탐색이 되고 있기 때문이다. 

그런데 흥미로운 점은 그의 초기 작업들을 보면 자연의 형상보다는 인간의 외형을 많이 관찰하고 그것을 그려내 왔다는 점이다. 작가는 아마도 자연의 모든 사물을 관찰하는 것 이상의 세계가 인간의 몸에 있을 것이라고 보았던 것 같다. 물론 생물학적, 심리학적으로 보면 인간 안에는 우주처럼 무한한 세계가 담겨 있을 것이라는 분석도 있지만 이뿐만 아니라 인간은 세계를 관찰하는 주체이자 관찰대상이 되는 객체가 될 수 있기에 더욱 작가가 인간의 몸에 관심을 갖게 되었던 것으로 보인다. 작가의 언급에 따르면 인간의 몸으로부터 아름다움을 발견하였을 뿐만 아니라 우주적 진리와 질서를 알아가게 되었다고 한다. 인간의 몸은 관찰되는 대상이 될 수도 있지만 동시에 우주의 진리와 질서를 관찰하고 판단하는 주체임을 작가 스스로 자각 하게 되면서 외부로부터 관찰되는 형상에 대한 그의 관심은 이후 인간의 몸 안에 잠재되어 있을 것으로 생각되는 비가시적 형상의 영역으로까지 전이 되었던 것이다. 

   물론 이 비가시적 영역은 일견 가시적 대상에 대한 논의인 형상과 모순적으로 보일 수도 있다. 그런데 이 모순성은 주운항 작가가 그의 작업을 구체적이고 가시적인 형상에서 벗어나 상징적이고 직관적인 방식으로 비가시적 영역으로부터의 차별적 형상성을 탐색하게 만들었다. 논리적 모순성이 오히려 그의 작업에 있어서 큰 변화를 일으킨 동인이 된 것이며 시각에 변화를 가져온 촉매제가 된 것이다. 그리고 이처럼 작가가 육안의 눈으로부터의 시각에서 자유로워지게 되자 전혀 다른 시각으로 볼 수 있는 길을 찾을 수 있게 된 것으로도 볼 수 있다. 그렇기에 주운항 작가의 작업에서 보게 되는 추상적 화면은 모더니즘 회화의 형식주의 실험의 결과물과는 내용상 전혀 다른 방향에서 접근해 보아야 한다. 왜냐하면 그의 작업에서 형상적인 요소들은 눈으로 관찰될 수 없는 외형 너머의 세계를 읽어가기 위한 시각적 기표로 작동되고 있기 때문이며, 동시에 그 세계와 연결될 수 있는 감각을 환기시키고 이를 전해 주는 매개물이 되고 있기 때문이다.

  이와 같은 맥락에서 주운항 작가의 회화를 살펴보면 시각적으로 드러나는 이미지적 요소들은 육안으로 감각되는 세계가 아니라 의식으로 감각되는 세계와 관련되어 있음을 발견하게 된다. 그의 작업에서는 바로 이 전면적 의식에 의해 스캔 되듯이 추출된 인간의 내부로부터 감지된 것들로 보이는 이미지들이 나타난다. 망막에 맺히는 세계가 투시적 원근법으로 한 점에 모아지는 것이라면 그의 회화는 의식의 어느 한 지점을 향하여 온 우주와 세계 모든 곳으로부터 모아지는 우주적 시각의 일부분을 담아 놓은 것처럼 보이는 세계가 담겨있다. 작가에게 있어 이 의식이라는 것은 온 우주와 시공간을 포함한 세계 전체를 담을 수 있을 정도로 무한한 것일 수밖에 없기에 그에게 있어 ‘보게 된다는 것’, ‘알게 된다는 것’은 이 세계의 총체를 인간의 시각 범주를 넘어 초월적으로 ‘보게 되는 것’이고, ‘알게 되는 것’이라고 말할 수 있다. 작가는 이 의식으로부터 외부의 세계에 대해 눈으로 보고 관찰하는 것 이상의 것들을 볼 수 있었던 것 같다. 그래서 작가는 자신의 내면으로부터 감지되는 멈추지 않고 샘솟듯이 흘러나오는 그 무언가에 대해 ‘의식의 샘’이라고 지칭하게 되었을 것이다.

작가에게 이 의식은 우주와 세계를 거울처럼 비춰내는 것이므로 결국 하나의 세계로 읽혀질 것으로 보인다. 작가는 그것의 일면을 화폭에 담아내고자 했던 것이다. 마치 메비우스 띠처럼 내면의 의식은 어느새 외부 세계 그 자체로 환원되는 것을 그 스스로가 작업을 하는 과정 속에서 지속적으로 경험해 왔기에 작가는 그것을 그려내고 작업 안에 담아내고자 하였을 것이다. 그런데 그의 작업을 자세히 보면 이 무한의 세계가 일정한 형태로 고정될 수 없다는 점에서 작가는 그의 작품 속에서는 이를 끊임없이 흘러가는 흐름의 변화와 무한 반복의 형태를 대리하는 형상의 이미지로 남겨두고자 한 것을 볼 수 있다. 세계의 무한성과 가변성을 평면의 회화에 그대로 가져오기는 어려울 수밖에 없었을 것이므로 작가는 작업 속에 세계 그 자체가 아닌 그 세계를 읽어갈 수 있는 길을 내고자 한 것으로 보인다. 그래서 결국 마치 디지털 이미지 안에 잠재된 코드를 표기해내듯 상징화된 이미지와 기표들로 화면을 채우게 되었던 것이다. 

 이처럼 시공간의 원형을 향한 기표로 가득 채운 주운항 작가의 회화는 비가시세계에 대한 안내서이자 가시세계로 번안된 번역서로서 읽혀진다. 그의 작업은 사람이 눈으로 볼 수는 없지만 느낄 수 있고 알 수 있는 이 비가시적 세계가 늘 밖으로만 향하게 되는 우리 시선을 그 방향만 바꾸게 된다면 감지될 수도 있다는 것을 보여주고 있는 것이다. 만일 우리가 이와 같은 새로운 방향을 향해 눈을 뜨게 된다면 세계를 비추고 있는 그 의식의 거울을 통해 아마도 세계의 원형(原形)을 바라보게 될 수 있을는지도 모른다. 작가는 이 의식의 눈으로부터 세계를 보는 방법을 이렇게 자신의 작업에서 그 길을 보여주는 방식으로 안내해 주고 있다. 작가가 이렇게 안내자를 자처한 것은 아마도 눈 안으로 들어온 세계는 세계의 일면일 수밖에 없지만 의식은 그 전체 세계를 볼 수 있고 이를 통해 의식의 주체인 자신까지도 온전히 바라 볼 수 있을 것이라는 확신을 갖게 되었기 때문일 것이다. 

그의 작품 속에서 발견되는 세 개의 막대나 원형의 형상은 그 의미를 정확히 알 수는 없다. 그러나 의식의 눈으로 세계를 바라보는 길을 향하도록 안내하는 표지판임을 분명히 알 수 있을 것 같다. 그럼에도 이 표지판 주위를 서성이며 시각의 다른 방향을 찾는 일은 이제 관객의 몫이 될 것으로 보인다. ●

 Joo Woon-hang has been doing a series of works to explore the original form and essence while asking fundamental questions about the world he lives in. This work had mainly begun with the shapes he encountered in the process of his long-lasting painting work.
In that sense, Joo Woon-hang's work of drawing shapes can be seen as being operated by the same tool as a language that reads objects. For him, painting is a search for the core of the world and a way for reading it, at the same time. However, what is interesting is that in his early works, he observed and drew a lot of human appearances rather than the shapes of nature. He seems to have thought that the human body has a world beyond observing all things in nature. Surely, from a biological and psychological point of view, there is an analysis that humans contain an infinite world like the universe. Yet, it seems that he became more interested in the human body because humans can be both the subject and the object of observation of the world. 

According to him, he not only discovered beauty in the human body but also learned cosmic truth and order. The human body can be an object to be observed, but at the same time, as he becomes aware that it is the subject that observes and judges the truth and order of the universe, his interest in shapes observed from the outside seems to be latent within the human body over time. It was transferred to the realm of the invisible for mas thought.
This invisible part may seem contradictory from the point of view of shape. However, this inconsistency made Joo Woon-hang explore differentiated forms in a symbolic and intuitive way, escaping from concrete and visible ones in his work. Rather, logical inconsistency became a factor that caused a big change in his work and a catalyst that brought about a change in his view. As such, it can be seen that he found a way to see things from a completely different point when he became free from the perspective of his body.

 The abstract images shown in Joo Woon-hang's work should be approached from a completely different direction from the results of formal experiments in modernist painting. Itis because the figurative elements in his work operate as visual indicators to read the world beyond the external appearance that cannot be seen with the naked eye. At the same time, it serves as a medium that evokes and carries out the senses that can be connected to the world.
In the same context, if you look into Joo Woon-hang's paintings, you can discover that the visually revealed image elements are related to the world sensed by consciousness. In his work, images appear as if they came from the inside of a human being extracted. If the world reflected on the retina is gathered at one point through perspective, his painting contains the whole universe toward a certain point of consciousness and a world containing parts of the cosmic perspective. 

For Joo Woon-hang, this 'consciousness' is infinite enough to have the entire universe and the entire world, including time and space. To him, 'to see' and 'to be aware’mean the totality of this world beyond the boundary of human vision. From this consciousness, he seems to have been able to see more than just seeing and observing the external world. So, he would have come to refer to something sensed from his inner self as a ‘Spring of Consciousness’that flows non-stop.
To this artist, this consciousness reflects on the universe and the world like a mirror, so it seems like it will eventually be understood as one world. He wanted to capture a part of it on the canvas. Like a Möbius strip, he must have experienced that the inner consciousness is reduced to the outer world in itself while the process was working. 

 On the other hand, if you closely look at his work, apparently, he must have tried to want to leave a constant change of the flow and infinite repetition as an image of a figure in his work since this infinite world cannot be fixed in a certain way. Since it must have been difficult to express the infinity and variability of the world in one-dimensional painting, artist Joo Woon-hang seems to have tried to find a way to read the world in his work, not the world itself. Thus, his artworks have been filled with symbolized images and signifiers as if to mark latent codes in digital images.In this way, the paintings of artist Joo Woon-hang, who fills the canvas with signifiers toward the guide book of time and space, are read as a guide to the non-visible world and as a translation adapted to the visible world. His work shows that this invisible world, which can be felt and known even though it cannot be seen by human eyes, can be detected by simply changing the direction of our eyes which are always directed outward. If we open up our eyes wide enough to this new direction, we may be able to see the original form of the world through the mirror of consciousness that reflects the world.

He guides the way to see the world through the eyes of this kind of consciousness through his work. The reason why he set him self up as a guide in this way is probably that he was confident to be able to fully see even himself, the subject of consciousness, even though the world through his eyes is just one of the entire world. 

 주운항의 최근 회화는 추상이다. 
 클리멘트 그린버그의 주장 이래 20세기 서구의 추상은 ‘평면’이라는 매체의 물리적 속성에 골몰하는 의사과학적인 존재 문제에 집중했다면, 1960년대 일본의 모노파(物派)나 1970년대 한국의 단색화 전통의 추상은 회화의 비물리적 속성인 정신과 의식의 세계에 집중했다고 할 수 있겠다. 즉 한국적 추상이란 서구 모더니즘의 추상 형식을 물려받으면서도 내용은 전혀 다른 내적 존재 의식의 탐구의 결정(結晶)이라고 정리해 볼 수 있다. 국내 단색화가 천착했던 무작위, 범자연주의, 정신성, 비물질성과 같은 맥락이 그것이다. 
 그의 작업은 외견상 한국의 단색화보다 서구의 모노크롬 전통에 보다 더 가까이 들어앉아 있다. 한국의 단색화 작가들이 젖은 상태의 한지를 밀어내면서 질료를 실험하거나, 캔버스 뒤로 물감을 밀어 넣으면서 서구 모더니즘의 회화 바탕에 대해 도전하는 일련의 창작의 방법론에 천착했다면, 주운항은 편평한 2차원이라는 서구 모더니즘의 회화 바탕을 계승한 채, 그 위에 거의 완벽에 가까운 황금률의 조형적 구성과 그것이 창출하는 하모니를 지속적으로 실험한다.
 흥미로운 것은 그것이 철저하게 서구적 형식에 입힌 동양적 사유, 더 나아가 ‘한국적 정신성의 현현(顯現)’에 관심을 기울인 결과라는 사실이다. 그의 작업에 나타난 철저하게 서구적 조형 요소인 점, 선, 면, 원, 직사각형 등은 동양적이고, 한국적인 우주관이 반영된 것이다. 
 예를 들어 그의 회화에는 원(圓)의 형상이 도드라지게 화면의 중앙에 자리하는데, 이것은 “평면 위의 한 점에서 일정한 거리에 있는 점들로 이루어진 곡선”이라는 정의로 해설되는 서구의 수학적 사유의 결정체이다. 동양적 사유에서 이 원은 하늘(天)로 대표되는 우주관을 반영한다. 그것은 영계나 천국이라는 종교관을 아우르는 대우주의 상징이다. 즉 반야심경의 핵심인 색즉시공 공즉시색(色即是空空即是色)이라는 존재/부재를 함께 아우르는 ‘비어 있는(空)’ 무한한 우주 공간이며, 만물을 낳는 기본수인 0(zero)의 의미를 함유한다. 
 그의 작품에 나타나는 직사각의 형상은 또 어떠한가? 사각형은 “꼭짓점과 변을 각각 4개씩 지니고 있는 4개의 선분으로 둘러싸인 도형”이며, 여기서 직사각형은 “두 쌍의 마주 보는 변이 서로 평행이고 그 길이가 같고, 네 각의 크기가 모두 같은 사각형”이다. 동양적 사유에서 이것은 땅의 세계를 상징한다. 육체를 가진 인간과 물질로 구성된 만물들이 존재하는 공간이자, 네 방위를 표하는 숫자 4의 의미를 함유한다. 
 작가 주운항은 자신의 작업에 나타난 원을 “희망, 꿈, 기쁨, 에너지, 확산 등의 추상적 의미”로 파악하고, 화면 위에 오브제로 붙인 사각형의 물체를 “의식의 근원 및 중심, 조화, 질서”를 상징하는 것으로 파악한다. 그의 작품에서 무엇보다 주요한 것은 이러한 기초적 조형요소가 각자의 의미의 범주론에 머무는 것이 아니라, 상호관계 속에서 “긴장감과 울림의 에너지를 이끌어 내어 이상 세계를 향한 인간 의식의 미를 표현”하려는 데 있다고 할 것이다. 
 그에게 있어 추상의 궁극 지점이란 물질만 덜렁 남는 평면성의 매체적 속성에 집착하는 서구의 추상과 달리, 이처럼 “의식이 현현하는 추상”을 시도하는 일이다. 그것을 통해 서구 전통의 추상과는 상이한 한국적 추상의 가능태를 실험하고, 조화로운 이상 세계의 염원을 자신만의 작업 언어로 구축해 내는 일에 골몰한다. 

그의 작품에 있어 추상적 상징들이 맞닥뜨려 창출하는 상호 조화의 세계는 인중천지일(人中天地一)이라는 대우주와 소우주의 만남을 주선한다. 보라! 하늘(天)로 대변되는 원(圓)을 머리에 이고 인간(人)으로 대변되는 사각형의 오브제가 지평선(地) 위에 서 있는 장대한 ‘풍경 아닌 풍경’을 말이다. 그것은 분명코 우주의 상징을 추상적 풍경으로 치환시킨 인간 의식의 세계를 그린다. 보이지 않는 의식을 보이게 만드는 그의 회화는 미술의 언어로 철학의 지평(地平)을 탐구하는 명상화(瞑想畵)에 다름 아니라 할 것이다. 
 그 명상의 주체는 인간이다. 대우주를 품은 소우주로서의 인간이다. 그의 조형이 담고 있는 작품 세계는 흥미롭게도 천부경(天符經)이 피력하고 있는 만물의 운행 원리(텍스트)를 시각화(이미지)한 것처럼 보이지 않는가? 그의 작품 제명 ‘인중천지일’은 실제로 천부경으로부터 빌려 왔다. “사람 안에 하늘과 땅이 하나로 일체를 이룬다”는 의미의 이 글귀는 인간이 절대적 인식의 주체임을 명확히 한다.    
 이러한 차원에서 주운항의 작품에 드러난 태극의 4괘를 닮아있는 3개의 사각형 오브제가 나란히 놓여 있는 도상을 면밀히 살펴볼 필요가 있겠다. 천부경에서 발견되는 ‘석삼극무진본(析三極無盡本)’이란 글이 “하나가 셋으로 분할되어 드러나도 근본은 역시 하나”라는 의미를 지니고 있듯이, 주운항의 3개의 사각형 오브제는 결국 완성된 하나의 인간 주체를 상징한다. 
  보라! 주운항의 작품에서, 3개가 한 쌍을 이루는 사각형 오브제는 우주의 두 가지 기운인 양(―)과 음(--)이 만나 변주를 이루면서 8괘로 발전하고, 5행(五行)으로 운행한다는 동양의 우주 원리의 근본적인 요소를 상상하게 만든다. 즉 천지인이 한 쌍을 이루고, 건(하늘), 곤(땅), 감(남자, 물), 리(여자, 불)라는 4괘가 서로 만나 대우주를 만드는 우주의 생성과 운행의 원리를 그의 작품에서 읽어내게 되는 것이다. 그의 음양오행의 도상 속에서 그리고 푸르디푸른 화면에서 혹은 붉디붉은 추상화에서 말이다. 결국 그의 작품 속 4괘의 변주는 양과 음이 상극이 아니라 상생을 이루는 인중천지일의 근본임을 우리에게 알려준다. 

 실용을 전제하지 않는 순수 예술이 과연 인간에게 유용한 것일까? 창작자의 자기 배설이 휘몰아치는 작금의 현대미술 속에서 주운항은 회화로 접근하는 홍익인간(弘益人間) 이화세계(弘益人間)를 꿈꾼다. 즉 '널리 인간을 이롭게 하고, 이치로써 세상을 다스린다'는 일견 현대미술의 속성과는 멀어 보이는 이러한 의미를 그는 추적한다. 그의 2015년 작가노트에 적힌 다음과 같은 글, 즉 “나는 창조자가 되기 위해 이곳에 존재한다. 나와 민족과 인류를 위한 홍익인간 이념의 진리를 미로 창조하기 위해 이곳에 존재한다”는 말이 의미심장한 까닭이다. 
 주운항에게 미술은 세계와 대면하는 침묵의 언어이다. 그는 작업으로 세상을 바꾸는 일을 맹신하는 것은 아니지만 적어도 ‘이화세계’의 이상을 이 땅에 미술의 언어로 실천하고자 하는데 골몰한다. 혼탁한 가치 혼란의 시대에 치유의 미학과 진선미(眞善美)의 이상을 회화의 언어로 찾고자 하는 것이다. 그가 관습화된 일상의 관점과 실세계의 경험만으로는 접근 자체가 불가능한 미시적 세계인 양자물리학(quantum physics)이나 내적 직관과 인식으로만 접근 가능한 신지학(theosophy)에 관심을 갖는 까닭도 그것이다. 
 그는 ‘일상의 눈’으로는 결코 볼 수 없는 세계를 ‘미술의 눈’으로 보고자 한다. 즉 침묵의 언어인 미술을 통해서 ‘보이지 않는 것’을 ‘보이게 하려는 것’이다. 그가 작품 속 원형상의 뒤에 성배와 같은 아우라를 표현한 까닭도 ‘보이지 않는 우주와 인간의 에너지인 기(氣)와 파동(波動)의 세계’로부터 이화세계를 구축하는 주요한 원동력을 찾고 있기 때문이다. 이러한 관점은 마치 고갱(Paul Gauguin)의 〈우리는 어디서 왔는가? 우리는 누구인가? 우리는 어디로 갈 것인가?(D'où venons-nous ? Qui sommes-nous ? Où allons-nous ?)〉(1897)라는 한 작품 제목에서 드러낸 질문들과 공유한다. 그런 면에서 조형의 형식은 서로 다르지만, 고갱의 작품이 그러했듯이, 주운항은 자신의 단순한 추상의 조형 언어 속에 인간의 생로병사(生老病死)의 근원이 무엇인지를 되묻고자 한다. 미술의 가치와 생멸(生滅)의 ‘인간 존재’에 관한 끊임없는 문제의식과 부딪히면서 말이다. ●

 Korean abstract painting- emptying out the materiality and manifestation of the mind.    
 Recent paintings of  Joo Woonhang are abstract.
 While the western abstract paintings since Clement Greenberg’s theory in the 20th century have been focused on the scientific presence based on its two-dimensional medium’s physical characteristic, the traditional abstract paintings of Japanes Mono-ha in the 1960s or Korean Dansaekhwa in the 1970s were centered on the mind and the consciousness, the non-physical traits of the painting. Korean abstract in this sense can be described as that its form was borrowed from the western modernist abstract but its content was drawn to the opposite as it explored the consciousness of existence: randomness, meta-naturalism, mindfulness, non-physicality that Korean Dansaekhwa had appropriated.
His work by appearance is similar rather to the tradition of the Western monochrome than Korean Dansaekhwa. The artists of Korean Dansaekhwa performed a series of creative methodologies confronting the western Modernism painting. They experimented with the materials by placing them onto the wet Korean traditional paper, or behind the canvas. However, Joo Woonhang succeeds to the flat two-dimensional fundamentals of the Western Modernism painting and constantly explores to achieve the perfect golden sculptural composition and the harmony it creates. 
The interesting point is that it is the result of the manifestation of Korean mentality on Western formality. Western formative elements-- the dots, lines, planes, circles, and rectangles-- are the reflections of the Eastern, Korean worldviews.

For example, the form of circle is situated on the center of his painting. This is the ultimate manifestation of the Western mathematical ideology that defines the circle as “a closed plane curve consisting of all points at a given distance from a point”. In Eastern ideology the circle reflects the view of the universe represented by the sky. It is the symbol of the grand universe that encompasses the religious view of the eternal life or the heaven. 

What about the rectangular forms that are also present in his works? A quadrangle is “a quadrilateral having four vertex and four segments”, and a rectangle here is a quadrilateral having both pairs of opposite sides parallel to each other, and their lengths and angles all equal.” In Eastern thoughts, this symbolizes the earth. It represents the space where physical human and substance exist, and the space of which the number 4 symbolizes.

The artist Joo Woonhang understands the circle in his work as  “abstract meanings of hope, dream, joy, energy, and emission”, and the quadrilateral object on the surface as it symbolizing “the origin and center of the consciousness, harmony, and order”. The most crucial point in his work is that these fundamental visual elements are not constrained in their own meanings but they try to express the aesthetics of human consciousness towards the ideal world by inducing the energy of tension and impression through the interconnection.

For him, the ultimate goal of abstract is not to be obsessed with the flatness of the medium of the Western abstract that only leaves it onto the physicality, but to aim for the abstract that manifests the consciousness. Through this, he experiments with the possibility of Korean abstract that is different from the western tradition, and devotes to construct his own language expressing the desire for the harmonious, ideal world.

Abstract of Joo Woonhang- controlling the world where the sky and the earth are integrated in human.

In his work created harmonious world that encounters of the abstract symbols create. This offers the confrontation of grand and micro universe where the sky and the earth are integrated in human. Look at the scenery 

where the quadrangle object (representing the human) standing on the horizon uplifting the circle (representing the sky). This certainly draws upon the worldview of human consciousness that transformed the symbol of universe to the abstract scenery. His painting that makes unseen seen is nothing different from the contemplative paintings exploring the philosophical fields with the artistic language.

The protagonist of the mediation is human, the human being as a micro universe that has the grand universe in heart. Interestingly, does not the worldview in his works look like the visualization of the textual rules exhorted on the scripture of the Daejonggyo(Chunboogyeong)? His work title Injoongchunjiil in fact was appropriated from the scripture Chunboogyeong. This phrase meaning “the sky and the earth are integrated in human to become one” consolidates the fact that the human is the protagonist of the absolute consciousness.

 In this sense, it is important to look closely at the three quadrangle objects of his work, which resemble the four trigrams of Taegeuk. As the phrase found in Chunboogyeong, ‘Seok SamGeukMooJinBon’ means that “the fundamental is one although one seems to be divided into three”, Joo Woonhang’s three objects also symbolize the complete form of one human being.

Look! In Joo Woonhang’s work, the three quadrangle objects as a set develop into eight, mesmerizing with the two energies of the universe: yang(―) and yin(-). These let the viewers imagine the principle of the Oriental universe run by the five lines. In his work we can also find the principle of the creation and management of the universe where the sky, the earth, and the human become one, and the four trigrams (the sky, the earth, the man/water, and the woman/fire) encounter creating the grand universe. This becomes clear in his abstract paintings overwhelmed by the color blue or red, reflecting the ying-yang and the five elements of the universe. The variations of the four trigrams in his work therefore are not the incompatibles of yang and ying, but rather the fundamentals of the philosophy that the sky and the earth are integrated in human.

Is the pure art that defies the function useful for human? In contemporary art scene where creators create too much these days, Joo Woonhang seeks to build a humanitarian world of logic with the painterly approach. He traces back the meaning of the ideological phrase ‘Rule the world with logic that’s beneficial to human’ that seems farfetched from the contemporary art scene. Therefore, his artist’s note of 2015 saying “I exist to become a creator. I exist to actualize the ideology for me, my ethnicity and the humanity” becomes even more significant. 

For Joo Woonhang art is the silent language that confronts the world. He does not blindly trust that work can subvert the world, but he at least tries to actualize the ideal of the ‘world with logic’ with the language of art. He seeks to find the ideal of the aesthetics of healing and the philosophy of ‘integrity, morality and beauty’ through the language of painting in the midst of the turmoil of our time where the values are corrupted. This is also the reason that he is interested in the quantum physics that ritualized everyday perspective or the actual experience cannot approach, or in the theosophy that only inner instinct and consciousness can reach.

He tries to see the world that cannot be discovered with the ‘everyday eyes’ but only with the ‘eyes of the art’. He seeks to reveal the ‘unseen’ through the silent language, art. The reason that he expresses the holy aura behind the circular form in his work is because he looks for the major motivation for constructing the ‘world with logic’ from ‘the world of spirit and wave, which is the energy of the unseen universe and the human beings’. This interpretation shares the questions revealed by the titles of the Paul Gauguin’s work, Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going? (D'où venons-nous ? Qui sommes-nous ? Où allons-nous?)(1897) In this sense, although their forms are different, Joo Woonhang as well as Gauguin seeks to question the origin of the four phases of life: birth, aging, illness, and death. In doing so he is constantly confronted with the issues of the value and the birth and death of art, and the ‘human existence’. ●